An interpretation of the works of the fourth solo exhibition of American artist Nicole Salimbene
At the fourth solo exhibition of artist Nicole Salimbene held from 16 September through 15 October 2016 at Flashpoint Gallery in Washington, D.C. This interactive installation exhibition contained several sculptural compositional and interactive works in addition to a series of two-dimensional canvasses. Through these pieces, the artist hoped to combine elegance with persistence in going beyond the ordinary to touch on the concept of impermanence. Nicole's works have been characterized by these features, which were represented through an interdisciplinary approach. She also focused on these particular concepts by creating dialogue between the public and the installation itself. "I am interested in provoking contemplation through this dialogue,” said the artist, “searching always for the poetics of relationship and the transformation that arises as a result of the conflict between internal and external worlds."
In her exhibition entitled Mending, we see an important interactive piece entitled "Mending Table." Mending Table is one in a series of compositional works mounted in a manner, which calls the viewer to explore and meditate on the practice of reparation by interacting with the artwork. For Nicole, mending is the substance or raw material for this work, inviting or perhaps even requiring that the audience sit, interact, and then meditate. The canvasses displayed by Nicole at this exhibition incentivize the viewer to pause, as each piece on its own is an attempt to meditate on or explore those minute details. The works were completed with extreme precision, or by using tools relevant to the process of mending. Nicole used thousands of needles and yarn woven together to create either very complex canvasses or sculptures as well as intertwined installations that invite contemplation and decode the symbols through which the significance of the mending process may be felt. If we look at the sewing work intended to repair damage, a recurring theme in several works displayed, Nicole's message stretches beyond this particular piece of canvass; many symbols are deployed in her works, such as mending life, the human soul, or the hearts of others. Those stitches woven into a piece of cloth have the potential to repair deterioration or errors committed.
Nicole's experience with this multi-featured approach began after she conducted several investigations of tangible poetics and the desire to create public and private engagements with the public as a way for the viewer to embody metaphor. By drawing attention to the art of exercising the mind and interacting with the tools of the exhibition, such as needles and thread, "Mending" encourages us to reflect on the transformations that might take place in our lives and in the greater world, from the moment each stitch is made.
Nicole said of her works: "I am constantly inspired by this idea. I am always searching to find a way to embody it in my works. this place where we can be alone together for reflection, a space that welcomes silence. This silence serves as the raw material or the artistic medium, and inviting the viewer to silence is semi-interactive. The viewer or audience is able to be present with themselves, or even sit in silence. For me, that moment is represented in the meeting between the self and the soul, along with the ideas or even meditations on the self that may be produced from that moment. I see this time as a moment of inner peace with oneself. Regardless of whatever the viewer concludes as they interact with the piece, this work strives to create an environment suitable for interaction with the internal. Perhaps this moment is drawn from the desire or need for a space suitable for a moment of stability and silence. I also hoped to create this space not only for meditation and silence but also for contemplation, regardless of the content. I wanted to fulfil the viewer's need for contemplation on whatever they may need to ponder, but this doesn't mean that I named the project Mending to try and force the viewer think about what he/she wants to mend via sewing. Rather, it is a call to contemplate what must be mended - if anything - and forms an invitation to listen to our inner self and answer its call. The inspiration may have been drawn from my personal experience and belief in the need to be present to communicate with myself and mend what I want to mend.
Through the exhibition Nicole aims for the installation to create a mixing or intermingling between various cultures with different backgrounds. She is very interested in what may be produced from this intermingling and difference as well as opportunities to find all of these cultures and backgrounds in the same space, communicating with one another in a spiritual way, and listening to each other in the absence of religious or ethnic discrimination.
In this exhibition, Nicole also displayed a series of boards entitled the Mending Fire Series, which partially originated from a collaborative art project she did a few years prior with refugees. She worked on this project with a professional artist from Ethiopia. Through this artistic collaboration, she was inspired to produce her first piece of cutting and burning the canvas. "I made a linear cut across the canvas,” Nicole said, “I remember that at the time, I was undergoing a very trying crisis. We were discussing what it means to be open to expressing whatever you are experiencing, and what it means to be a person who is broken inside. I thought about how we begin to mend those wounds. How in the mending you begin to see these wounds as a blessing." Although Nicole does not assume that things can be completely recovered, evident in how her canvasses still bear cuts and remnants from the sewing process. The canvasses carry many scars.. She is focused on the call to explore transformation by providing the right conditions or circumstances, through which we are called by the desire to reveal. Many of us carry deep wounds that remain open, and many of us also refuse to reveal or mend them. As for the production process and logistics associated with these paintings, Nicole said: "At the start, I made that linear cut which represents the wound as well as an openness to revealing it. Then I burned the canvass, which symbolizes the first flames of our desire to change and mend, and which some may see in a negative light but is also the creative fires of transformation and change that aid the process. For me this mark making is similar to the bruises we find on our bodies in various forms and colors, which form an important part of the healing process. Some remnants of the fire on the surface of the canvasses are dark in color and others light, just like the colors of the bruises on our body, whose colors change gradually from dark brown to light until they eventually fade away. After this, I began the sewing process to close the cut on the canvas but sometimes not a complete closure but a new form created in the space between. These canvasses are a visual expression of what takes place during this approach and successive steps taken until the process of mending the damage is complete.
In the exhibition hall there is a large piece entitled "Mending Waters." Nicole sees water as a flexible raw material for sculpture, as it can transform and take on any shape. In this synthetic work, this idea is strengthened, supported by the concept of flow and flux from a spiritual standpoint. Water can bear, carry, and contain quite a lot and she describes the material as rich and strong. As for Nicole's origins, she was born in the state of Colorado. She then moved and grew up in Niagara Falls, New York, and we can see the degree to which Nicole was impacted by this imagery. Nicole also discusses many negative environmental issues and how commercial and industrial development can manipulate and negatively impact water.. In demonstrating this complicated relationship through her installation, she invites the viewer to contemplate an empathic relationship with water? How can this process be absorbed and reflected in the self, not just when thinking about how we can exploit water or harness this resource to serve us? She wants the viewer, through interacting with and sitting before the work, to contemplate and imagine this water as rains or waterfalls in the form of blue threads, and also to see the other side represented in thousands of needles implanted in pieces of wood. That aspect which renders the relationship very complicated cannot be overlooked, and Nicole says: "I wanted to tell the viewer that the water which has given you so much deserves a moment of contemplation; it deserves this from you, even if it is just a small gesture."
There is no doubt that Nicole Salimbene is always interested in creating an empathic and poetic relationship to materials- materials of the internal and external a fact that shines through her works. Poetics form Nicole's raw materials and tools, and this is linked to her educational background: She received her Bachelors Degree in Literature and the English Language, explaining her close association with her passion for the principles and components that express stories and poems, which she presents semi-abstractly and hopes for the viewer to embody as a means of intimacy with the work.
In her exhibition entitled Mending, we see an important interactive piece entitled "Mending Table." Mending Table is one in a series of compositional works mounted in a manner, which calls the viewer to explore and meditate on the practice of reparation by interacting with the artwork. For Nicole, mending is the substance or raw material for this work, inviting or perhaps even requiring that the audience sit, interact, and then meditate. The canvasses displayed by Nicole at this exhibition incentivize the viewer to pause, as each piece on its own is an attempt to meditate on or explore those minute details. The works were completed with extreme precision, or by using tools relevant to the process of mending. Nicole used thousands of needles and yarn woven together to create either very complex canvasses or sculptures as well as intertwined installations that invite contemplation and decode the symbols through which the significance of the mending process may be felt. If we look at the sewing work intended to repair damage, a recurring theme in several works displayed, Nicole's message stretches beyond this particular piece of canvass; many symbols are deployed in her works, such as mending life, the human soul, or the hearts of others. Those stitches woven into a piece of cloth have the potential to repair deterioration or errors committed.
Nicole's experience with this multi-featured approach began after she conducted several investigations of tangible poetics and the desire to create public and private engagements with the public as a way for the viewer to embody metaphor. By drawing attention to the art of exercising the mind and interacting with the tools of the exhibition, such as needles and thread, "Mending" encourages us to reflect on the transformations that might take place in our lives and in the greater world, from the moment each stitch is made.
Nicole said of her works: "I am constantly inspired by this idea. I am always searching to find a way to embody it in my works. this place where we can be alone together for reflection, a space that welcomes silence. This silence serves as the raw material or the artistic medium, and inviting the viewer to silence is semi-interactive. The viewer or audience is able to be present with themselves, or even sit in silence. For me, that moment is represented in the meeting between the self and the soul, along with the ideas or even meditations on the self that may be produced from that moment. I see this time as a moment of inner peace with oneself. Regardless of whatever the viewer concludes as they interact with the piece, this work strives to create an environment suitable for interaction with the internal. Perhaps this moment is drawn from the desire or need for a space suitable for a moment of stability and silence. I also hoped to create this space not only for meditation and silence but also for contemplation, regardless of the content. I wanted to fulfil the viewer's need for contemplation on whatever they may need to ponder, but this doesn't mean that I named the project Mending to try and force the viewer think about what he/she wants to mend via sewing. Rather, it is a call to contemplate what must be mended - if anything - and forms an invitation to listen to our inner self and answer its call. The inspiration may have been drawn from my personal experience and belief in the need to be present to communicate with myself and mend what I want to mend.
Through the exhibition Nicole aims for the installation to create a mixing or intermingling between various cultures with different backgrounds. She is very interested in what may be produced from this intermingling and difference as well as opportunities to find all of these cultures and backgrounds in the same space, communicating with one another in a spiritual way, and listening to each other in the absence of religious or ethnic discrimination.
In this exhibition, Nicole also displayed a series of boards entitled the Mending Fire Series, which partially originated from a collaborative art project she did a few years prior with refugees. She worked on this project with a professional artist from Ethiopia. Through this artistic collaboration, she was inspired to produce her first piece of cutting and burning the canvas. "I made a linear cut across the canvas,” Nicole said, “I remember that at the time, I was undergoing a very trying crisis. We were discussing what it means to be open to expressing whatever you are experiencing, and what it means to be a person who is broken inside. I thought about how we begin to mend those wounds. How in the mending you begin to see these wounds as a blessing." Although Nicole does not assume that things can be completely recovered, evident in how her canvasses still bear cuts and remnants from the sewing process. The canvasses carry many scars.. She is focused on the call to explore transformation by providing the right conditions or circumstances, through which we are called by the desire to reveal. Many of us carry deep wounds that remain open, and many of us also refuse to reveal or mend them. As for the production process and logistics associated with these paintings, Nicole said: "At the start, I made that linear cut which represents the wound as well as an openness to revealing it. Then I burned the canvass, which symbolizes the first flames of our desire to change and mend, and which some may see in a negative light but is also the creative fires of transformation and change that aid the process. For me this mark making is similar to the bruises we find on our bodies in various forms and colors, which form an important part of the healing process. Some remnants of the fire on the surface of the canvasses are dark in color and others light, just like the colors of the bruises on our body, whose colors change gradually from dark brown to light until they eventually fade away. After this, I began the sewing process to close the cut on the canvas but sometimes not a complete closure but a new form created in the space between. These canvasses are a visual expression of what takes place during this approach and successive steps taken until the process of mending the damage is complete.
In the exhibition hall there is a large piece entitled "Mending Waters." Nicole sees water as a flexible raw material for sculpture, as it can transform and take on any shape. In this synthetic work, this idea is strengthened, supported by the concept of flow and flux from a spiritual standpoint. Water can bear, carry, and contain quite a lot and she describes the material as rich and strong. As for Nicole's origins, she was born in the state of Colorado. She then moved and grew up in Niagara Falls, New York, and we can see the degree to which Nicole was impacted by this imagery. Nicole also discusses many negative environmental issues and how commercial and industrial development can manipulate and negatively impact water.. In demonstrating this complicated relationship through her installation, she invites the viewer to contemplate an empathic relationship with water? How can this process be absorbed and reflected in the self, not just when thinking about how we can exploit water or harness this resource to serve us? She wants the viewer, through interacting with and sitting before the work, to contemplate and imagine this water as rains or waterfalls in the form of blue threads, and also to see the other side represented in thousands of needles implanted in pieces of wood. That aspect which renders the relationship very complicated cannot be overlooked, and Nicole says: "I wanted to tell the viewer that the water which has given you so much deserves a moment of contemplation; it deserves this from you, even if it is just a small gesture."
There is no doubt that Nicole Salimbene is always interested in creating an empathic and poetic relationship to materials- materials of the internal and external a fact that shines through her works. Poetics form Nicole's raw materials and tools, and this is linked to her educational background: She received her Bachelors Degree in Literature and the English Language, explaining her close association with her passion for the principles and components that express stories and poems, which she presents semi-abstractly and hopes for the viewer to embody as a means of intimacy with the work.
قراءة في أعمال المعرض الشخصي الرابع للفنانة الامريكية/ نيكول سالمبين
في المعرض الشخصي الرابع للفنانة/ نيكول سالمبين، الذي استمر في الفترة من 16 سبتمبر- 15 اكتوبر2016، في صالة عرض (فلاش بوينت) بواشنطن دي سي. احتوى العرض على العديد من الاعمال التركيبية، و الاعمال التفاعلية، اضافة الى اللوحات ثنائية الابعاد، والتي تسعى الفنانه من خلالها على الجمع بين الأناقة، الاصرار على الخروج عن المألوف و صفة اللادوامية. فقد اتسمت اعمال نيكول بتلك السمات التي تمثلت من خلال الاشكال والمخرجات وايضا ارتكزت على تلك المفاهيم و الافكار المعنية بالتفاعل و التحاور بين الجمهور و العمل التركيبي نفسه، فهي كما تقول " أنا اهتم في إثارة الشعورالتاملي في الفن، من خلال هذا الحوار أبحث عن شاعرية النسبية والعلاقة، والتحول الذي يطرح نفسه نتيجة الصراع مع العوالم الداخلية والخارجية".
ففي معرضها بعنوان إصلاح نرى مثلا عملا بعنوان "طاولة الاصلاح 2016" والتي تعتبر من الاعمال التفاعلية المهمه، فـ "إصلاح" هي اعمالا تركيبيه مثبته بطريقة تستدعي المشاهد لاستكشاف التامل و ممارسة عمليات الاصلاح من خلال التفاعل مع العمل الفني. فالاصلاح هنا بالنسبة لنيكول هو مادة و خامة فنية، تدعو الجمهور بل و تفرض عليه الجلوس للتفاعل ومن ثم التأمل، حتى ان اللوحات التي عرضتها نيكول في هذا المعرض تحفز المشاهد على الوقوف اما كل لوحة على حدة لمحاولة التأمل بل و استكشاف تلك التفاصيل الدقيقه، لاسيما وان تلك الاعمال انجزت بدقة، و باستخدام ادوات غاية في الدقة، و التي ارتبطت بعملية الاصلاح، فقد استخدمت نيكول آلاف الإبر و الخيوط، التي تشابكت لتتآلف معا مكونة إما لوحات غاية في الدقة، او منحوتات و اعمال تركيبية متشابكه تدعو للتأمل و فك رموز تلك العقد التي نشعر من خلالها باهمية عملية الاصلاح، اذا ما تأملنا تلك الخياطة التي تكررت في العديد من الاعمال المعروضة والتي من شأنها اصلاح التلف، فالإصلاح هنا لم تقصد منه نيكول اصلاح ذلك القطع بقماش الكانفاس فقط، بل هناك العديد من الامور الرمزية في اعمالها كالإصلاح في الحياة، في النفس البشرية، في نفوس الأخرين، يمكن لتلك الغرز المحاكة على قطع القماش ان تصلح الفساد او الخطأ الذي اقترفناه.
بدأت تجربة نيكول في هذا النهج المتعدد الخصائص بعد ان أجرت العديد من التحقيقات في شاعرية المادية والرغبة في خلق اجواء عامه و خاصه تفاعلية جاذبة للجمهور باعتبارها وسيلة للمشاهد لتجسيد صورة العرض. من خلال لفت الأنظار إلى فن ممارسة الذهن والتفاعل مع كل من ادوات العرض كالإبرة و الخيوط، فعمل "اصلاح" يشجعنا على التفكير و التأمل بما يحدث حولنا من تحولات في حياتنا و في هذا العالم، بين لحظة احداث الغرزة بعد الغرزة.
تقول نيكول عن اعمالها: " دائما وفي كل حين تراودني تلك الفكره و التي لطالما حاولت من خلال اعمالي ان اصل الى طريقة لتجسيدها ، تلخصت الفكره في خلق ذلك المكان من خلال تنفيذ اعمال تركيبيه، ذلك المكان او الفضاء يجسد مساحه للصمت، وهذا الصمت يكون بمثابة الخامه او الوسيط الفني، الوسيط الذي يدعو المشاهد الى الصمت بطريقة شبه تفاعليه، بحيث يتمكن المشاهد او المتلقى من التواجد مع ذاته، أو حتى الجلوس بصمت، بالنسبة إلي تتمثل تلك اللحظة في لحظة اللقاء مع النفس و الروح الداخلية لذواتنا، الى جانب ما قد تأتي به تلك اللحظة من افكار او حتى تأملات في الذات، أرى في تلك اللحظة بمثابة لحظة السلام الداخلي مع الذات. بغض النظر فيما اذا توصل المشاهد الى تلك اللحظة اثناء تفاعله مع العمل، ما اطمح من خلال هذا العمل هو تهيأة تلك البيئة المناسبة للتفاعل مع الذات، وربما تأتي تلك اللحظة من الرغبه او الحاجه الى المكان المناسب للحظة للثابت و الصمت. إلى جانب ذلك اردت ان اخلق ذلك المكان ليس فقط للتأمل والصمت بل ايضا للتفكر، بغض النظر عن ماهية هذا التفكر، بل اردت ان ألبي حاجة المشاهد للتفكر في ما هو بحاجه الى التفكير فيه، فلا يعني انني اطلقت مسمى " الاصلاح" او خياطه العطب، كي افرض على المشاهد ان يتفكر بما يريد ان يقوم بإصلاحه، اثناء الخياطه، وانما هي دعوه للتأمل في ما يجب ان يتم اصلاحه - اذا وجد مايلزم للإصلاح-، وانما هي مثابه دعوه للاستماع الى ما تنادي به ذاتنا الداخليه، و الاستجابه لهذا النداء. فقد يكون العمل قد جاء من تجربتي الشخصية، من إيماني بضرورة الحاجه الى التواجد في ذلك المكان الذي يوفر المناخ و الظروف المناسبه للتواصل مع الذات و لإصلاح ما أردت اصلاحه، حينها شعرت بالفائدة من التواجد في ذلك الفضاء.
تسعى نيكول من خلال عرض تلك الاعمال التركيبية التفاعليه الى خلق نوع من التهاجن و التمازج بين مختلف الثقافات التى تحمل خلفيات مختلفه، فهي مهتمه جدا بما قد يتنتج عن هذا التمازج و الاختلاف وما هي الفرص المتااحه حين تتلاقى كل تلك الثقافات و الخلفيات في فضاء واحد، بينما تتواصل مع بعضها البعض بشكل روحاني يسموعن اي تمييز سواءا ديني او عرقي.
تعرض نيكول في معرضها الاخير، مجموعة لوحات (سلسلة إصلاح النار) ، جاءت خلاصة لتجربة قد قامت بها في مشروع فني عن اللاجئبن، حيث اشتغلت في هذا المشروع مع فنانة محترفه من أثيوبيا، و حصل انها قامت بذلك التعاون الفني، الذي كان بمثابة ألهام لانتاج هذه اللوحات. و عن هذه اللوحات تقول نيكول: " قمت باحداث قطع طولي على قماش الكانفاس، اذكر حينها انني كنت قد مررت بأوقات و ازمة جدا صعبه، و في ذلك الوقت كنا نتحدث عما يعنيه ان يكون المرء منفتحا للعبير عما يمر به من أزمات، وما يعنيه ان يكون الانسان مكسورا من الداخل وفي ذلت الوقت منفتحا للتواصل و البوح عن ذلك الشعور، و فكرت حينها في كيف لنا ان نصلح ذلك الجرح، وما هي الطرق التي من شأنها للجروح ان تلتأم، بل و ترمم بشكل كلي، والتي ارى انها بحد ذاتها نعمه و رحمه.". إلا ان نيكول لا تفترض هنا امكانية ترميم الاشياء بشكل كلي، الامر الذي يظهر جليا في تلك اللوحات، التى تحمل ذلك القطع، و اثر عملية الخياطه، فهذه اللوحات تحمل الكثير من الندب لأثار الجروح، فهي ليست مهتمه لفرضية الاصلاح فقط، بل هي تركز على التحفيز والدعوة الى اكتشاف نقطه التحول، بتوفير تلك الظروف او الشروط الملائمة، التى تدعونا من خلالها الى الرغبه في البوح، فهناك الكثير منا من يحمل جروحا عميقة مازالت مفتوحه، وهناك العديد منا يرفض فكره البوح و الاصلاح. و عن العملية الانتاجية و اللوجستية لتلك اللوحات، تقول نيكول: " قمت في البداية بإحداث ذلك القطع الطولي والذي يمثل الجرح وهو ايضا يمثل الانفتاح للبوح، و من ثم قمت بعملية الحرق، والذي يرمز الى تلك الشعله الاولى التى تعبر عن الرغبه في التغيير و الاصلاح، والتى قد يراها البعض بشكل سلبي، فهي بالنسبة لي تشبه الى حد ما تلك الرضوض على اجسادنا، ذات الالوان و الاشكال المختلفه، والتى ارى انها جزءا مهما في عملية الشفاء والاصلاح، فآثار الحريق على سطح اللوحات ذات الوان داكنه و بعضها فاتح، تشبه الوان الرضوض في اجسادنا و التي تتغير درجات الوانها تدريجيا من البني الداكن الى الفاتح حتى تتلاشى، بعدها قمت بعملية الخياطه لاغلاق ذلك القطع في الكانفاس. فهذه اللوحات ماهي الاتعبير بصري عما يحدث من نهج و خطوات متتالية مرتبه تدريجيا حتى تتم عملية اصلاح تلك العطب."
في صالة العرض هنا عمل تركيبي ضخم بعنوان "إصلاح المياه "، ترى نيكول في الماء أكثر المواد و الخامات الفنية مرونه، فللماء القدرة على التحول و التشكل ضمن اي تكون، و في هذا العمل التركيبي، تعزز هذه الفكره، و تدعمها بمفهوم التدفق و الجريان من منطلق روحاني، فللماء القدره على تحمل و حمل الكثير، وايضا احتواء الكثير، تصفه بالغنى و القوه، فإذا ما اردنا العوده الى نشأت نيكول التي ولدت و عاشت طفولتها في ولاية كولورادو، و من ثم انتقلت و ترعرعت بالقرب من شلالات نياقرا بنيويورك، نرى من خلال هذا العمل مدى تأثر نيكول بذلك المشهد الخيالي، الذي مما لاشك يدعو الى التأمل، و من ناحية اخرى تطرح نيكول العديد من القضايا البيئية السلبيه، وكيف يمكن للتطور الصناعي، التجاري أن يتلاعب ويأثر سلبا على المياه كمصر للطاقه. فهي ترغب في طرح هذه العلاقة المعقده من خلال عملها التركيبي، فكيف يمكن للمشاهد ان يتفاعل مع هذه المياه المتساقطه و في الوقت ذاته ان يفهم العلاقه المعقده مع الماء، و كيف يمكن ان نستوعب هذه العملية و انعكاسها على الجانب الذاتي، ليس فقط ان نفكر في كيفية ان نستغل الماء او كيف يمكن ان اسخر هذا المصدر في خدمتي، انما تريد المشاهد من خلال التفاعل مع العمل، والجلوس امامه، ان يتأمل و يتخيل تلك المياه المتساقطه كأمطار أو شلالات في هيئة خيوط زرقاء، و ايضا يرى الجانب الآخر و المتمثل في آلاف الإبر المغروزه في قطع الخشب، ذلك الجانب الذي لايمكن التغاضي عنه والذي يجعل العلاقة معقده جدأ، تقول نيكول" أردت ان اقول للمشاهد، أن هذا الماء الذي اعطاك الكثير، يستحق منك تلك اللحظات للجلوس أمامه والتأمل فيه، و يستحق منك اعطائه ولو القليل".
مما لاشك فيه ان نيكول سالمبين دائما تهتم بالشعر و الشاعرية، والامر الذي بات واضحا في أعمالها، فالشاعرية تأتي كخامه و اداة من ادوات نيكول الفنية، والتي ارتبطت بخلفيتها الثقافيه فهي حاصلة على شهادة البكالوريوس في الأدب واللغه الانجليزية، وهذا ما يفسر تماما ارتباطها الوثيق بالشعر و شغفها بالمباديء و المكنونات التي تعبر عن القصة والقصيده، التى تقدمها بشكل شبه تجريدي متناهي في الصغر.
في المعرض الشخصي الرابع للفنانة/ نيكول سالمبين، الذي استمر في الفترة من 16 سبتمبر- 15 اكتوبر2016، في صالة عرض (فلاش بوينت) بواشنطن دي سي. احتوى العرض على العديد من الاعمال التركيبية، و الاعمال التفاعلية، اضافة الى اللوحات ثنائية الابعاد، والتي تسعى الفنانه من خلالها على الجمع بين الأناقة، الاصرار على الخروج عن المألوف و صفة اللادوامية. فقد اتسمت اعمال نيكول بتلك السمات التي تمثلت من خلال الاشكال والمخرجات وايضا ارتكزت على تلك المفاهيم و الافكار المعنية بالتفاعل و التحاور بين الجمهور و العمل التركيبي نفسه، فهي كما تقول " أنا اهتم في إثارة الشعورالتاملي في الفن، من خلال هذا الحوار أبحث عن شاعرية النسبية والعلاقة، والتحول الذي يطرح نفسه نتيجة الصراع مع العوالم الداخلية والخارجية".
ففي معرضها بعنوان إصلاح نرى مثلا عملا بعنوان "طاولة الاصلاح 2016" والتي تعتبر من الاعمال التفاعلية المهمه، فـ "إصلاح" هي اعمالا تركيبيه مثبته بطريقة تستدعي المشاهد لاستكشاف التامل و ممارسة عمليات الاصلاح من خلال التفاعل مع العمل الفني. فالاصلاح هنا بالنسبة لنيكول هو مادة و خامة فنية، تدعو الجمهور بل و تفرض عليه الجلوس للتفاعل ومن ثم التأمل، حتى ان اللوحات التي عرضتها نيكول في هذا المعرض تحفز المشاهد على الوقوف اما كل لوحة على حدة لمحاولة التأمل بل و استكشاف تلك التفاصيل الدقيقه، لاسيما وان تلك الاعمال انجزت بدقة، و باستخدام ادوات غاية في الدقة، و التي ارتبطت بعملية الاصلاح، فقد استخدمت نيكول آلاف الإبر و الخيوط، التي تشابكت لتتآلف معا مكونة إما لوحات غاية في الدقة، او منحوتات و اعمال تركيبية متشابكه تدعو للتأمل و فك رموز تلك العقد التي نشعر من خلالها باهمية عملية الاصلاح، اذا ما تأملنا تلك الخياطة التي تكررت في العديد من الاعمال المعروضة والتي من شأنها اصلاح التلف، فالإصلاح هنا لم تقصد منه نيكول اصلاح ذلك القطع بقماش الكانفاس فقط، بل هناك العديد من الامور الرمزية في اعمالها كالإصلاح في الحياة، في النفس البشرية، في نفوس الأخرين، يمكن لتلك الغرز المحاكة على قطع القماش ان تصلح الفساد او الخطأ الذي اقترفناه.
بدأت تجربة نيكول في هذا النهج المتعدد الخصائص بعد ان أجرت العديد من التحقيقات في شاعرية المادية والرغبة في خلق اجواء عامه و خاصه تفاعلية جاذبة للجمهور باعتبارها وسيلة للمشاهد لتجسيد صورة العرض. من خلال لفت الأنظار إلى فن ممارسة الذهن والتفاعل مع كل من ادوات العرض كالإبرة و الخيوط، فعمل "اصلاح" يشجعنا على التفكير و التأمل بما يحدث حولنا من تحولات في حياتنا و في هذا العالم، بين لحظة احداث الغرزة بعد الغرزة.
تقول نيكول عن اعمالها: " دائما وفي كل حين تراودني تلك الفكره و التي لطالما حاولت من خلال اعمالي ان اصل الى طريقة لتجسيدها ، تلخصت الفكره في خلق ذلك المكان من خلال تنفيذ اعمال تركيبيه، ذلك المكان او الفضاء يجسد مساحه للصمت، وهذا الصمت يكون بمثابة الخامه او الوسيط الفني، الوسيط الذي يدعو المشاهد الى الصمت بطريقة شبه تفاعليه، بحيث يتمكن المشاهد او المتلقى من التواجد مع ذاته، أو حتى الجلوس بصمت، بالنسبة إلي تتمثل تلك اللحظة في لحظة اللقاء مع النفس و الروح الداخلية لذواتنا، الى جانب ما قد تأتي به تلك اللحظة من افكار او حتى تأملات في الذات، أرى في تلك اللحظة بمثابة لحظة السلام الداخلي مع الذات. بغض النظر فيما اذا توصل المشاهد الى تلك اللحظة اثناء تفاعله مع العمل، ما اطمح من خلال هذا العمل هو تهيأة تلك البيئة المناسبة للتفاعل مع الذات، وربما تأتي تلك اللحظة من الرغبه او الحاجه الى المكان المناسب للحظة للثابت و الصمت. إلى جانب ذلك اردت ان اخلق ذلك المكان ليس فقط للتأمل والصمت بل ايضا للتفكر، بغض النظر عن ماهية هذا التفكر، بل اردت ان ألبي حاجة المشاهد للتفكر في ما هو بحاجه الى التفكير فيه، فلا يعني انني اطلقت مسمى " الاصلاح" او خياطه العطب، كي افرض على المشاهد ان يتفكر بما يريد ان يقوم بإصلاحه، اثناء الخياطه، وانما هي دعوه للتأمل في ما يجب ان يتم اصلاحه - اذا وجد مايلزم للإصلاح-، وانما هي مثابه دعوه للاستماع الى ما تنادي به ذاتنا الداخليه، و الاستجابه لهذا النداء. فقد يكون العمل قد جاء من تجربتي الشخصية، من إيماني بضرورة الحاجه الى التواجد في ذلك المكان الذي يوفر المناخ و الظروف المناسبه للتواصل مع الذات و لإصلاح ما أردت اصلاحه، حينها شعرت بالفائدة من التواجد في ذلك الفضاء.
تسعى نيكول من خلال عرض تلك الاعمال التركيبية التفاعليه الى خلق نوع من التهاجن و التمازج بين مختلف الثقافات التى تحمل خلفيات مختلفه، فهي مهتمه جدا بما قد يتنتج عن هذا التمازج و الاختلاف وما هي الفرص المتااحه حين تتلاقى كل تلك الثقافات و الخلفيات في فضاء واحد، بينما تتواصل مع بعضها البعض بشكل روحاني يسموعن اي تمييز سواءا ديني او عرقي.
تعرض نيكول في معرضها الاخير، مجموعة لوحات (سلسلة إصلاح النار) ، جاءت خلاصة لتجربة قد قامت بها في مشروع فني عن اللاجئبن، حيث اشتغلت في هذا المشروع مع فنانة محترفه من أثيوبيا، و حصل انها قامت بذلك التعاون الفني، الذي كان بمثابة ألهام لانتاج هذه اللوحات. و عن هذه اللوحات تقول نيكول: " قمت باحداث قطع طولي على قماش الكانفاس، اذكر حينها انني كنت قد مررت بأوقات و ازمة جدا صعبه، و في ذلك الوقت كنا نتحدث عما يعنيه ان يكون المرء منفتحا للعبير عما يمر به من أزمات، وما يعنيه ان يكون الانسان مكسورا من الداخل وفي ذلت الوقت منفتحا للتواصل و البوح عن ذلك الشعور، و فكرت حينها في كيف لنا ان نصلح ذلك الجرح، وما هي الطرق التي من شأنها للجروح ان تلتأم، بل و ترمم بشكل كلي، والتي ارى انها بحد ذاتها نعمه و رحمه.". إلا ان نيكول لا تفترض هنا امكانية ترميم الاشياء بشكل كلي، الامر الذي يظهر جليا في تلك اللوحات، التى تحمل ذلك القطع، و اثر عملية الخياطه، فهذه اللوحات تحمل الكثير من الندب لأثار الجروح، فهي ليست مهتمه لفرضية الاصلاح فقط، بل هي تركز على التحفيز والدعوة الى اكتشاف نقطه التحول، بتوفير تلك الظروف او الشروط الملائمة، التى تدعونا من خلالها الى الرغبه في البوح، فهناك الكثير منا من يحمل جروحا عميقة مازالت مفتوحه، وهناك العديد منا يرفض فكره البوح و الاصلاح. و عن العملية الانتاجية و اللوجستية لتلك اللوحات، تقول نيكول: " قمت في البداية بإحداث ذلك القطع الطولي والذي يمثل الجرح وهو ايضا يمثل الانفتاح للبوح، و من ثم قمت بعملية الحرق، والذي يرمز الى تلك الشعله الاولى التى تعبر عن الرغبه في التغيير و الاصلاح، والتى قد يراها البعض بشكل سلبي، فهي بالنسبة لي تشبه الى حد ما تلك الرضوض على اجسادنا، ذات الالوان و الاشكال المختلفه، والتى ارى انها جزءا مهما في عملية الشفاء والاصلاح، فآثار الحريق على سطح اللوحات ذات الوان داكنه و بعضها فاتح، تشبه الوان الرضوض في اجسادنا و التي تتغير درجات الوانها تدريجيا من البني الداكن الى الفاتح حتى تتلاشى، بعدها قمت بعملية الخياطه لاغلاق ذلك القطع في الكانفاس. فهذه اللوحات ماهي الاتعبير بصري عما يحدث من نهج و خطوات متتالية مرتبه تدريجيا حتى تتم عملية اصلاح تلك العطب."
في صالة العرض هنا عمل تركيبي ضخم بعنوان "إصلاح المياه "، ترى نيكول في الماء أكثر المواد و الخامات الفنية مرونه، فللماء القدرة على التحول و التشكل ضمن اي تكون، و في هذا العمل التركيبي، تعزز هذه الفكره، و تدعمها بمفهوم التدفق و الجريان من منطلق روحاني، فللماء القدره على تحمل و حمل الكثير، وايضا احتواء الكثير، تصفه بالغنى و القوه، فإذا ما اردنا العوده الى نشأت نيكول التي ولدت و عاشت طفولتها في ولاية كولورادو، و من ثم انتقلت و ترعرعت بالقرب من شلالات نياقرا بنيويورك، نرى من خلال هذا العمل مدى تأثر نيكول بذلك المشهد الخيالي، الذي مما لاشك يدعو الى التأمل، و من ناحية اخرى تطرح نيكول العديد من القضايا البيئية السلبيه، وكيف يمكن للتطور الصناعي، التجاري أن يتلاعب ويأثر سلبا على المياه كمصر للطاقه. فهي ترغب في طرح هذه العلاقة المعقده من خلال عملها التركيبي، فكيف يمكن للمشاهد ان يتفاعل مع هذه المياه المتساقطه و في الوقت ذاته ان يفهم العلاقه المعقده مع الماء، و كيف يمكن ان نستوعب هذه العملية و انعكاسها على الجانب الذاتي، ليس فقط ان نفكر في كيفية ان نستغل الماء او كيف يمكن ان اسخر هذا المصدر في خدمتي، انما تريد المشاهد من خلال التفاعل مع العمل، والجلوس امامه، ان يتأمل و يتخيل تلك المياه المتساقطه كأمطار أو شلالات في هيئة خيوط زرقاء، و ايضا يرى الجانب الآخر و المتمثل في آلاف الإبر المغروزه في قطع الخشب، ذلك الجانب الذي لايمكن التغاضي عنه والذي يجعل العلاقة معقده جدأ، تقول نيكول" أردت ان اقول للمشاهد، أن هذا الماء الذي اعطاك الكثير، يستحق منك تلك اللحظات للجلوس أمامه والتأمل فيه، و يستحق منك اعطائه ولو القليل".
مما لاشك فيه ان نيكول سالمبين دائما تهتم بالشعر و الشاعرية، والامر الذي بات واضحا في أعمالها، فالشاعرية تأتي كخامه و اداة من ادوات نيكول الفنية، والتي ارتبطت بخلفيتها الثقافيه فهي حاصلة على شهادة البكالوريوس في الأدب واللغه الانجليزية، وهذا ما يفسر تماما ارتباطها الوثيق بالشعر و شغفها بالمباديء و المكنونات التي تعبر عن القصة والقصيده، التى تقدمها بشكل شبه تجريدي متناهي في الصغر.