A reading on the Sharjah Calligraphy Biennial "Dot"
The Sharjah Calligraphy Biennial is a marvelous institution with its seventh session being welcomed by the Emirate of Sharjah. The Biennial was inaugurated by His Excellency Dr. Sheikh Sultan bin Mohamed Al Qasimi, Supreme Council Member and Ruler of Sharjah, on 6 April 2016, and the event was organized by the Culture and Media Department, represented by the Arts Department. The biennial extended through 6 June 2016 and approximately 206 artists participated, submitting 683 works boasting a diversity of ideas and content, all reflecting the importance of Arabic calligraphy and horizons for artistic lettering.
I walked through the individual and collective exhibitions of this artistic event which highlighted both tradition and modernity in the calligraphic arts in the Sharjah Art Museum. The tremendous number of artistic experiences with modern calligraphic trends piqued my attention, as well as how letters - both in Arabic and other languages - can inspire artists and represent radical shifts in contemporary visual arts, as well as the innovative intellectual and conceptual content they contain. The "dot" was the theme for this session, which displayed a variety features and forms with a vast range of dimensions and works of visual art. The exhibition showcased styles and techniques which ranged from geometry and 3D abstractions, to animations, video art, and modern composite works. The importance of the dot was reinforced throughout the biennial, and this concept unleashed the imaginations and creations of the participating artists in generating a visual, cultural, and human dialogue with contemporary visions and aspirations.
This variation and difference was easy to spot in the general and modern exhibition which thirty artists from across the world attended. The works served as a visual and intellectual celebration shedding light on those artists' rhetoric and take on the dot through remarkable innovations, both composite or drawn, with a variety of skills, experiences, and tracks on display throughout this intellectual conversation. The highlights of this diversity included how artists were impacted by their surroundings and culture as well as their intellectual vision of the concept of both the letter and the dot. It should be noted that along with artists from the Gulf and the Arab world, artists from Muslim countries such as Pakistan, Iran, and Turkey also participated alongside artists from several other countries such as the US, Holland, France, Hungary, Germany, Poland, South Africa, Australia, Russia, Lebanon, China, and Taiwan.
Resident at the forum Professor Dr. Eyad Hussein Abdallah believes that selecting the dot as the theme of the seventh session formed an incentive to research the essence, magic, and being of the dot within distinctive schools of thought and philosophy, as well as the science of geometry and the art of calligraphy and writing. He stated: "The dot is a marker of spiritual balance evaluated by the artist and calligrapher in this world. Today calligraphers have traveled from East and West and they will not stop at restoring the glory and bounce of the letter - they will also forge a new path to establish a vision restoring the relationship between beauty and the activity of life and society."
The Sharjah Art Museum hosted an innovative exhibition of contemporary art experiences where several new and atypical mediums and materials were showcased. This no doubt served the artists' ideas and assisted them in expressing their visions for a letter and its associated artistic uses. Ian Barnes (US/Australia) presented a composite work entitled "Mantra" consisting of various materials such as wood, lines, magnifying glasses, and a timing system. Barnes' work brings the reader's attention to the concept of continuity. Through this process, Barnes seeks to develop and use the temptations of the media and modern technology, all of which aim to support the idea of innovation within systems and strengthening the preference for individual conceptual experiences. Barnes believes that this can be found on the thin line which divides what can be considered poetic and what can be considered ironic. What is interesting about "Mantra" is the rhythm that lies within this composite work that operates under an alternative, arbitrary timing. This creates a poetic sensitivity to the calligraphic aspects of the letters and works, which left their impact on the biennial in the individual exhibition. The words and letters were produced by projecting light on the walls of the museum through magnifying glasses and electric illumination.
We can also analyze the works of Ramin Shirdel from Iran, which are impacted by his career as an architect and how his vision for the letter and dot was embodied from an architectural perspective. Shirdel displayed three-dimensional works that are reminiscent of the process of construction and reconstruction. His work entitled "Longing" is based on accumulation and repetition, as each piece consists of approximately 1500 colored pieces stacked next to each other in the form of layers joining together side by side. The process created a harmonious shape which produces an integrated production of a word in the style of Arabic calligraphy. These works represented several profound human feelings, conveying emotions that carry deep longing and love. Shirdel's message was profound in a unique style that manipulated several elements. He did not choose to present a direct, easy work, and instead relied on suspense, confusion, and visual manipulation, which no doubt required extensive experience and a firm idea of how he hoped for the illusion to leave a significant impact on the audience's thoughts and insights.
The biennial also provided a space for world languages, where Japanese artist Ryo Shimizu presented a dramatic display of Japanese letters using stickers to produce an avalanche of letters and words scattered on the floor of the exhibition hall and posted on the walls. The work itself invited interaction and the piece created a dramatic atmosphere full of confusion, ambiguity, and to a certain extent, arbitrariness, despite the fact that the letters and words were written in an organized and coordinated form and style. Through this composite work of adhesive texts, Ryo Shimizu discovered the force than pushes us - without realizing - to divide our surroundings into several parts, made clear through the contrast between black and white and Shimizu's interest in the murky relationship between things and their opposites. Shimizu did not suffice with just texts and letters, and the work also included a video exhibition which displayed several phenomena such as natural light, wind, the temperature, and sound. These elements served the artist's vision to explore the force that pushes us - without realizing - to divide or alter our surroundings.
Artist and designer Camilo Rojas from the US presented composite works using several different media such as thread, screws, pins, and wood. Rojas' works were characterized by the conception of humor, positioning the dot in the aesthetic experience of the search for a disruption. The overlap between threads and the entanglement between throughts poses several questions surrounding the essence of the fourth dimension. The work formed an attempt to create a relationship between the aesthetic logic of Arabic calligraphy, including the elements and semantics it is comprised of, and the creation a new dimension. Regarding his works, Rojas noted: "My works offer a critical perspective on social and cultural issues. I often bring these subjects together in artistic compositions which are characterized by reforming day-to-day materials with handicraft techniques in a peculiar manner. Printing is the starting point for my works, and I typically lean toward experimentation as an art form." Rojas' participation in the exhibition locates the dot in the framework of the aesthetic experience of the compositional object, and his work is spatially interlocked through threads that confuse the audience during the search for the fourth dimension.
Han Zhang, a Chinese artist based in Canada, presented a compositional work consisting of 400 ceramic plates utilized to serve rice featuring a black line of ink and stacked next to each other in the form of a square. Through this work, Zhang poses questions surrounding visual issues in literary and poetic translation from Chinese to other languages, and the resulting loss in meaning and lack of understanding. Zhang used several materials to produce her work, including wood, thread, paper, ink, mirrors, fragile items, rice plates, and others. Despite the simplicity of the minimalist display, we can see the distinction between the white color of the plates and the black ink, and her work reminds us of the entangled relationship between calligraphy and the texture of the daily lives we live in modern civilization.
Overall, these works emphasize the importance of the dot as an element of visual balance in calligraphy for all languages. Through this biennial, the Emirate of Sharjah reiterated the importance of art as a language among peoples, and a hidden music emerged from the rhythms of letters, colors, and exchanges contained in new and innovative formulations.
I walked through the individual and collective exhibitions of this artistic event which highlighted both tradition and modernity in the calligraphic arts in the Sharjah Art Museum. The tremendous number of artistic experiences with modern calligraphic trends piqued my attention, as well as how letters - both in Arabic and other languages - can inspire artists and represent radical shifts in contemporary visual arts, as well as the innovative intellectual and conceptual content they contain. The "dot" was the theme for this session, which displayed a variety features and forms with a vast range of dimensions and works of visual art. The exhibition showcased styles and techniques which ranged from geometry and 3D abstractions, to animations, video art, and modern composite works. The importance of the dot was reinforced throughout the biennial, and this concept unleashed the imaginations and creations of the participating artists in generating a visual, cultural, and human dialogue with contemporary visions and aspirations.
This variation and difference was easy to spot in the general and modern exhibition which thirty artists from across the world attended. The works served as a visual and intellectual celebration shedding light on those artists' rhetoric and take on the dot through remarkable innovations, both composite or drawn, with a variety of skills, experiences, and tracks on display throughout this intellectual conversation. The highlights of this diversity included how artists were impacted by their surroundings and culture as well as their intellectual vision of the concept of both the letter and the dot. It should be noted that along with artists from the Gulf and the Arab world, artists from Muslim countries such as Pakistan, Iran, and Turkey also participated alongside artists from several other countries such as the US, Holland, France, Hungary, Germany, Poland, South Africa, Australia, Russia, Lebanon, China, and Taiwan.
Resident at the forum Professor Dr. Eyad Hussein Abdallah believes that selecting the dot as the theme of the seventh session formed an incentive to research the essence, magic, and being of the dot within distinctive schools of thought and philosophy, as well as the science of geometry and the art of calligraphy and writing. He stated: "The dot is a marker of spiritual balance evaluated by the artist and calligrapher in this world. Today calligraphers have traveled from East and West and they will not stop at restoring the glory and bounce of the letter - they will also forge a new path to establish a vision restoring the relationship between beauty and the activity of life and society."
The Sharjah Art Museum hosted an innovative exhibition of contemporary art experiences where several new and atypical mediums and materials were showcased. This no doubt served the artists' ideas and assisted them in expressing their visions for a letter and its associated artistic uses. Ian Barnes (US/Australia) presented a composite work entitled "Mantra" consisting of various materials such as wood, lines, magnifying glasses, and a timing system. Barnes' work brings the reader's attention to the concept of continuity. Through this process, Barnes seeks to develop and use the temptations of the media and modern technology, all of which aim to support the idea of innovation within systems and strengthening the preference for individual conceptual experiences. Barnes believes that this can be found on the thin line which divides what can be considered poetic and what can be considered ironic. What is interesting about "Mantra" is the rhythm that lies within this composite work that operates under an alternative, arbitrary timing. This creates a poetic sensitivity to the calligraphic aspects of the letters and works, which left their impact on the biennial in the individual exhibition. The words and letters were produced by projecting light on the walls of the museum through magnifying glasses and electric illumination.
We can also analyze the works of Ramin Shirdel from Iran, which are impacted by his career as an architect and how his vision for the letter and dot was embodied from an architectural perspective. Shirdel displayed three-dimensional works that are reminiscent of the process of construction and reconstruction. His work entitled "Longing" is based on accumulation and repetition, as each piece consists of approximately 1500 colored pieces stacked next to each other in the form of layers joining together side by side. The process created a harmonious shape which produces an integrated production of a word in the style of Arabic calligraphy. These works represented several profound human feelings, conveying emotions that carry deep longing and love. Shirdel's message was profound in a unique style that manipulated several elements. He did not choose to present a direct, easy work, and instead relied on suspense, confusion, and visual manipulation, which no doubt required extensive experience and a firm idea of how he hoped for the illusion to leave a significant impact on the audience's thoughts and insights.
The biennial also provided a space for world languages, where Japanese artist Ryo Shimizu presented a dramatic display of Japanese letters using stickers to produce an avalanche of letters and words scattered on the floor of the exhibition hall and posted on the walls. The work itself invited interaction and the piece created a dramatic atmosphere full of confusion, ambiguity, and to a certain extent, arbitrariness, despite the fact that the letters and words were written in an organized and coordinated form and style. Through this composite work of adhesive texts, Ryo Shimizu discovered the force than pushes us - without realizing - to divide our surroundings into several parts, made clear through the contrast between black and white and Shimizu's interest in the murky relationship between things and their opposites. Shimizu did not suffice with just texts and letters, and the work also included a video exhibition which displayed several phenomena such as natural light, wind, the temperature, and sound. These elements served the artist's vision to explore the force that pushes us - without realizing - to divide or alter our surroundings.
Artist and designer Camilo Rojas from the US presented composite works using several different media such as thread, screws, pins, and wood. Rojas' works were characterized by the conception of humor, positioning the dot in the aesthetic experience of the search for a disruption. The overlap between threads and the entanglement between throughts poses several questions surrounding the essence of the fourth dimension. The work formed an attempt to create a relationship between the aesthetic logic of Arabic calligraphy, including the elements and semantics it is comprised of, and the creation a new dimension. Regarding his works, Rojas noted: "My works offer a critical perspective on social and cultural issues. I often bring these subjects together in artistic compositions which are characterized by reforming day-to-day materials with handicraft techniques in a peculiar manner. Printing is the starting point for my works, and I typically lean toward experimentation as an art form." Rojas' participation in the exhibition locates the dot in the framework of the aesthetic experience of the compositional object, and his work is spatially interlocked through threads that confuse the audience during the search for the fourth dimension.
Han Zhang, a Chinese artist based in Canada, presented a compositional work consisting of 400 ceramic plates utilized to serve rice featuring a black line of ink and stacked next to each other in the form of a square. Through this work, Zhang poses questions surrounding visual issues in literary and poetic translation from Chinese to other languages, and the resulting loss in meaning and lack of understanding. Zhang used several materials to produce her work, including wood, thread, paper, ink, mirrors, fragile items, rice plates, and others. Despite the simplicity of the minimalist display, we can see the distinction between the white color of the plates and the black ink, and her work reminds us of the entangled relationship between calligraphy and the texture of the daily lives we live in modern civilization.
Overall, these works emphasize the importance of the dot as an element of visual balance in calligraphy for all languages. Through this biennial, the Emirate of Sharjah reiterated the importance of art as a language among peoples, and a hidden music emerged from the rhythms of letters, colors, and exchanges contained in new and innovative formulations.
قراءة في ملتقى الشارقة للخط"نقطة" الدورة السابعة
ملتقى الشارقة للخط ، تلك التظاهرة الرائعة التي تحتضنها امارة الشارقة في دورتها السابعة، والتي افتتح فعالياتها صاحب السمو الشيخ الدكتور سلطان بن محمد القاسمي عضو المجلس الأعلى حاكم الشارقة، في يوم 6/ابريل/2016م، والتي تقام بتنظيم من دائرة الثقافة والإعلام ممثلة بإدارة الفنون، حيث استمرت حتى الــ 6 من يونيو من العام الجاري، شارك فيها ما يقارب 206 فنانين قدموا 683 عملا فنيا متنوعا من حيث الفكر و المضمون، عكست في مضمونها حيوية الخط العربي وآفاق الحروف الفنية.
من خلال تجوالي ضمن المعارض الشخصية و الجماعية لهذا الحدث الفني، والذي يستعرض الأصالة والحداثة من فنون الخط، وتحديدا في متحف الشارقة للفنون لفت انتباهي الزخم الهائل من التجارب الفنية ذات الاتجاهات الخطية الحديثة و كيف للحروف سواءا العربية او الحروف بلغات أخرى، يمكن أن تلهم الفنان و تعكس تحولات جذرية في الفنون البصرية المعاصرة ، وما تحمله من مضامين ابداعية فكرية و مفاهيمية. حيث أن الـ"نقطة" اختيرت كثيمة لهذا الملتقى في دورته الحالية، والتي طرحت ملامح واشكالا متعددة، ذات ابعادا واسعة المدى، والتي قدمت نتاجا فنيا بصريا باشكال وأساليب وتقنيات تنوعت بين الهندسية والتجريدية ثلاثية الابعاد والصور المتحركة وفنون الفيديو و الأعمال التركيبية الحديثة. الأمر الذي يعزز أهمية و دور الـ "نقطة" كثيمة، والتي بدورها اطلقت العنان لمخيلة وابداعات الفنانيين المشاركين في خلق ذلك الحوار البصري الثقافي والانساني برؤى و تطلعات معاصرة.
نرى ذلك التباين و الإختلاف في العرض العام والمعاصر، متمثلا بما قدمه ثلاثون فنانا جاؤوا من انحاء العالم، وكأنما جاءت تلك الأعمال كاحتفالية بصرية و فكرية، مسلطة الضوء على خطاب و موقف اؤلئك الفنانين تجاه الـ" نقطة"، بإبداعات لافته، سواءا كانت تركيبية أو مرسومة، ذات مهارات، خبرات و مسارات متعددة في التخاطب الفكري. أبرز ذلك التنوع تأثر كل فنان ببيئته وثقافته وايضا رؤيته الفكريه لمفهوم الحرف والنقطه على السواء. فمن الجدير بالذكر انه الى جانب الفنانين الخليجيين والعرب، شارك ايضا فنانون من دول اسلامية، كباكستان وإيران وتركيا، إضافة الى مشاركات عدة من دول أخرى كالولايات المتحدة الأمريكية وهولندا وفرنسا والنمسا وألمانيا وبولندا وجنوب افريقيا وأستراليا وروسيا واليابان والصين و تايوان.
يرى المقيم العام على الملتقى البروفيسور د. إياد حسين عبدالله، أن المراد من اختيار النقطة كثيمة للملتقى السابع، هو التحفيز والدعوة للبحث عن ماهيتها، سحرها و كينونتها، بين عوالم الفكر، الفلسفه ، الهندسة وفي فن الخط و الكتابه. حيث يقول: " ان النقطة تبقى علامة التوازن الروحي الذي يقيمه الفنان، و الخطاط في هذا العالم، فاليوم يبرع خطاطون من شرق العالم و غربه، فلا يكتفون باستعادة أمجاد الحرف و نبوعه، بل يشرعون بمنحنى جديد يؤسس لرؤية تعيد علاقة الجمال بحركة الحياة والمجتمع".
فقد شهد "متحف الشارقة للفنون" عرضاً للتجارب الفنية المعاصرة، والتي اتسمت بالابتكار من خلال توظيف الكثير من الوسائط الجديدة والخامات الخارجة عن المألوف، والتي بلا شك ساهمت في خدمة فكر الفنان والتعبير عن رؤيته للحرف واستخداماته الفنية. فقد عرض الفنان إيان بيرنز ( الولايات المتحدة- أستراليا) عملا تركيبيا بعنوان " تعويذة"، يتكون العمل من مواد مختلفة كالخشب، أضواء، عدسات تكبير ونظام للتوقيت. يلفت عمل إيان إنتباه المشاهد إلى مفهوم الاستمرارية، فمن خلال العمليات التي هدف إيان على تطويرها واستخدامه لإغراءات وسائل الاعلام والتكنولوجيا الحديثه، تهدف جميعها إلى دعم دور الإبتكار في الأشكال و النظم، والتي تعزز افضلية التجارب الفريدة المفاهيمية الواعية، والتي يرى إيان انها يمكن العثور عليها عند ذلك الخط الرفيع الفاصل بين ما يمكن اعتباره شعريا وما يمكن اعتباره مثيرا للسخرية. فاللافت في عمل "تعويذة" هو ذلك الايقاع المتضمن في العمل التركيبي، والذي يخضع لتوقيت متبدل عشوائيا، يخلق حساسية شعرية لتلك العناصر الخطية لأحرف و كلمات، تركت أثرا على المتلقى بطريقة العرض الفريدة، حيث تم اخراج تلك الكلمات والحروف باسقاط إضاءات على جدار المتحف، عبرعدسات مكبرة و اضاءات كهربائية.
نرى ايضا عمل للفنان رامين شرديل من إيران الذي يُظهر تأثرة بمهنته كمهندس معماري، و كيف جسد رؤيته للحرف و النقطة من منظور الهندسة المعمارية، فقد قدم عملا ثلاثي الابعاد، يشبه الى حد ما عملية الانشاء و التعمير، فعمله الذي جاء بعنوان "شوق" يعتمد على خاصية التراكم والتكرار، فكل قطعة فنية مكونة من حوالي ألف وخمسمائة قطعه ملونه و متراصة الى جانب بعضها البعض في شكل طبقات تتكاتف جنبا الى جنب، من أجل خلق ذلك التكوين المتناغم الشكل، والذي بدوره أنتج ذلك المنتج المتكامل للكلمة بأسلوب الخط العربي، حملت تلك الكلمات في طياتها العديد من المشاعر الإنسانية العميقة، فالعمل يرسل احاسيسا تحمل الكثير من الشوق و الحب. الا ان رسالة رامين جاءت عميقة بأسلوب متفرد متلاعب بعض الشيء، فهو لم يختر ان يقدم عملا مباشرا سهلا، إنما اعتمد على اسلوب التشويق، التشويش و أيضا التلاعب البصري، الذي لاشك فيه يحتاج الى الكثير من الخبره و الإدراك بما للمنظور الوهمي من أهمية في ترك بصمة عميقة على فكر و بصيرة المتلقي.
ونرى ان الملتقى قد أتاح مساحات للكثير من اللغات العالمية، حيث يستعرض الفنان الياباني ريو شيميزو عرضا دراميا للحروف اليابانية، باستخدم الملصقات في إنتاج ذلك الكم الهائل من الحروف والكلمات المتناثره على أرضية قاعة العرض بالإضافة الى تلك الملصقات على جدران القاعة. فعمله بمثابة دعوة للمشاهد للتفاعل مع هذا العمل، بما يحمله العمل الفني من اجواء درامية مفعمه بالأبهام ، الغموض، و شيئا من العشوائية، على الرغم من ان الحروف والكلمات اتخدت اشكالا و أسلوبا منظما أو متناسقا. فمن خلال هذا العمل التركيبي للنصوص الملصقة، يستكشف ريو شيميزو القوة التي تدفعنا دون ادراك إلى تقسيم البيئة المحيطة بنا إلى تقاسيم متعددة، فكما يتضح من خلال التناقض بين اللون الأبيض و الأسود، مدى اهتمام ريو بالعلاقة الغامضة بين الاشياء و نقيضاتها. فلم يكتف ريو بالنصوص والحروف، بل ايضا اشتمل العمل على عرضا تصويريا بواسطة الفيديو، يعرض العديد من الظواهر كالضوء الطبيعي، الرياح، درجة الحرارة والصوت، والتي سخرت لخدمة رؤيا الفنان في استكشاف تلك القوة التي تدفعنا بلا وعي الى تقسيم و تغيير البيئة المحيطة بنا.
أما الفنان والمصمم كاميلو روهاس من الولايات المتحدة الامريكية، قدم اعمالا تركيبية باستخدام وسائط متعددة، من خيوط، مسامير، دبابيس و خشب، اتسمت اعمال كاميلو بالمفاهيمية المرحة، فهو يضع النقطه في تجربة جمالية تبحث عن كينونتها، فالتداخل بين الخيوط والتشابك عبر خطوطها، يطرح تساؤلات عديدة حول ماهية البعد الرابع، في محاولة لخلق علاقة بين المنطق الجمالي للخط العربي بما يحويه من عناصر متعددة، ودلالات لغوية، وخلق أبعاد جديدة. يقول كاميلو عن اعماله: "تعبر أعمالي الفنية عن نظرة نقدية للقضايا الاجتماعية و الثقافية. حيث أجمع في كثير من الاحيان بين هذه المواضيع في التركيبات الفنية التي تتميز بإعادة تشكيل للمواد اليومية بتقنيات يدوية وشكل غريب، و الطباعة هي نقطة الانطلاق في أعمالي، وغالبا ما أميل فيها الى التجريب بوصفها شكلا فنيا". فمشاركته تضع النقطة في إطار التجربة الجمالية للكائن التركيبي، وعمله الفراغي المتداخل و المتشابك عبر الخيوط يستفز المتلقي في البحث عن ما ماهية البعد الرابع.
في حين ان الفنانة الصينية هان زانغ المقيمة في كندا، قدمت عملا تركيبيا مكون من 400 صحن، مصنوعة من السيراميك لتقديم الارز، مُلأت بحبر الخط الاسود، تراصت بجانب بعضها البعض لتكون شكل مربع. تطرح هان من خلال هذا العمل تساؤلات حول القضايا الإشكالية في الترجمة الادبية والشعرية، من اللغة الصينية الى لغات أخرى، وما يتبع عمليات الترجمة الأدبية من فقدان للمعنى، وعدم توافق في الفهم. حيث استخدمت هان العديد من المواد في انتاج أعمالها مثل: الخشب، والخيوط والورق، والحبر والمرايا والمواد الهشة، وصحون الأرز.. وغيرها. فعلى الرغم من بساطة العرض وعدم التكلف (المينمال)، في ما نراه من تباين بين اللون الابيض للصحون والحبر الاسود، الا ان عملها يذكرنا بالعلاقة المتشابكة بين فن الخط وقوام الحياة اليومية و ما نعيشه اليوم من حضارة.
ختاما، تؤكد تلك الأعمال أهمية النقطة، كعنصر في التوازن البصري لمنظومة الخط بجميع لغاته، فمن هذا الملتقى، أكدت إمارة الشارقة على أهمية الفن كلغة للشعوب، فكان الملتقى بمثابة تلك الموسيقى الخفية الناتجة عن إيقاعات الحروف بنسبها وألوانها وتبادلاتها، في تكوينات وصيغ إبداعية جديدة.
ملتقى الشارقة للخط ، تلك التظاهرة الرائعة التي تحتضنها امارة الشارقة في دورتها السابعة، والتي افتتح فعالياتها صاحب السمو الشيخ الدكتور سلطان بن محمد القاسمي عضو المجلس الأعلى حاكم الشارقة، في يوم 6/ابريل/2016م، والتي تقام بتنظيم من دائرة الثقافة والإعلام ممثلة بإدارة الفنون، حيث استمرت حتى الــ 6 من يونيو من العام الجاري، شارك فيها ما يقارب 206 فنانين قدموا 683 عملا فنيا متنوعا من حيث الفكر و المضمون، عكست في مضمونها حيوية الخط العربي وآفاق الحروف الفنية.
من خلال تجوالي ضمن المعارض الشخصية و الجماعية لهذا الحدث الفني، والذي يستعرض الأصالة والحداثة من فنون الخط، وتحديدا في متحف الشارقة للفنون لفت انتباهي الزخم الهائل من التجارب الفنية ذات الاتجاهات الخطية الحديثة و كيف للحروف سواءا العربية او الحروف بلغات أخرى، يمكن أن تلهم الفنان و تعكس تحولات جذرية في الفنون البصرية المعاصرة ، وما تحمله من مضامين ابداعية فكرية و مفاهيمية. حيث أن الـ"نقطة" اختيرت كثيمة لهذا الملتقى في دورته الحالية، والتي طرحت ملامح واشكالا متعددة، ذات ابعادا واسعة المدى، والتي قدمت نتاجا فنيا بصريا باشكال وأساليب وتقنيات تنوعت بين الهندسية والتجريدية ثلاثية الابعاد والصور المتحركة وفنون الفيديو و الأعمال التركيبية الحديثة. الأمر الذي يعزز أهمية و دور الـ "نقطة" كثيمة، والتي بدورها اطلقت العنان لمخيلة وابداعات الفنانيين المشاركين في خلق ذلك الحوار البصري الثقافي والانساني برؤى و تطلعات معاصرة.
نرى ذلك التباين و الإختلاف في العرض العام والمعاصر، متمثلا بما قدمه ثلاثون فنانا جاؤوا من انحاء العالم، وكأنما جاءت تلك الأعمال كاحتفالية بصرية و فكرية، مسلطة الضوء على خطاب و موقف اؤلئك الفنانين تجاه الـ" نقطة"، بإبداعات لافته، سواءا كانت تركيبية أو مرسومة، ذات مهارات، خبرات و مسارات متعددة في التخاطب الفكري. أبرز ذلك التنوع تأثر كل فنان ببيئته وثقافته وايضا رؤيته الفكريه لمفهوم الحرف والنقطه على السواء. فمن الجدير بالذكر انه الى جانب الفنانين الخليجيين والعرب، شارك ايضا فنانون من دول اسلامية، كباكستان وإيران وتركيا، إضافة الى مشاركات عدة من دول أخرى كالولايات المتحدة الأمريكية وهولندا وفرنسا والنمسا وألمانيا وبولندا وجنوب افريقيا وأستراليا وروسيا واليابان والصين و تايوان.
يرى المقيم العام على الملتقى البروفيسور د. إياد حسين عبدالله، أن المراد من اختيار النقطة كثيمة للملتقى السابع، هو التحفيز والدعوة للبحث عن ماهيتها، سحرها و كينونتها، بين عوالم الفكر، الفلسفه ، الهندسة وفي فن الخط و الكتابه. حيث يقول: " ان النقطة تبقى علامة التوازن الروحي الذي يقيمه الفنان، و الخطاط في هذا العالم، فاليوم يبرع خطاطون من شرق العالم و غربه، فلا يكتفون باستعادة أمجاد الحرف و نبوعه، بل يشرعون بمنحنى جديد يؤسس لرؤية تعيد علاقة الجمال بحركة الحياة والمجتمع".
فقد شهد "متحف الشارقة للفنون" عرضاً للتجارب الفنية المعاصرة، والتي اتسمت بالابتكار من خلال توظيف الكثير من الوسائط الجديدة والخامات الخارجة عن المألوف، والتي بلا شك ساهمت في خدمة فكر الفنان والتعبير عن رؤيته للحرف واستخداماته الفنية. فقد عرض الفنان إيان بيرنز ( الولايات المتحدة- أستراليا) عملا تركيبيا بعنوان " تعويذة"، يتكون العمل من مواد مختلفة كالخشب، أضواء، عدسات تكبير ونظام للتوقيت. يلفت عمل إيان إنتباه المشاهد إلى مفهوم الاستمرارية، فمن خلال العمليات التي هدف إيان على تطويرها واستخدامه لإغراءات وسائل الاعلام والتكنولوجيا الحديثه، تهدف جميعها إلى دعم دور الإبتكار في الأشكال و النظم، والتي تعزز افضلية التجارب الفريدة المفاهيمية الواعية، والتي يرى إيان انها يمكن العثور عليها عند ذلك الخط الرفيع الفاصل بين ما يمكن اعتباره شعريا وما يمكن اعتباره مثيرا للسخرية. فاللافت في عمل "تعويذة" هو ذلك الايقاع المتضمن في العمل التركيبي، والذي يخضع لتوقيت متبدل عشوائيا، يخلق حساسية شعرية لتلك العناصر الخطية لأحرف و كلمات، تركت أثرا على المتلقى بطريقة العرض الفريدة، حيث تم اخراج تلك الكلمات والحروف باسقاط إضاءات على جدار المتحف، عبرعدسات مكبرة و اضاءات كهربائية.
نرى ايضا عمل للفنان رامين شرديل من إيران الذي يُظهر تأثرة بمهنته كمهندس معماري، و كيف جسد رؤيته للحرف و النقطة من منظور الهندسة المعمارية، فقد قدم عملا ثلاثي الابعاد، يشبه الى حد ما عملية الانشاء و التعمير، فعمله الذي جاء بعنوان "شوق" يعتمد على خاصية التراكم والتكرار، فكل قطعة فنية مكونة من حوالي ألف وخمسمائة قطعه ملونه و متراصة الى جانب بعضها البعض في شكل طبقات تتكاتف جنبا الى جنب، من أجل خلق ذلك التكوين المتناغم الشكل، والذي بدوره أنتج ذلك المنتج المتكامل للكلمة بأسلوب الخط العربي، حملت تلك الكلمات في طياتها العديد من المشاعر الإنسانية العميقة، فالعمل يرسل احاسيسا تحمل الكثير من الشوق و الحب. الا ان رسالة رامين جاءت عميقة بأسلوب متفرد متلاعب بعض الشيء، فهو لم يختر ان يقدم عملا مباشرا سهلا، إنما اعتمد على اسلوب التشويق، التشويش و أيضا التلاعب البصري، الذي لاشك فيه يحتاج الى الكثير من الخبره و الإدراك بما للمنظور الوهمي من أهمية في ترك بصمة عميقة على فكر و بصيرة المتلقي.
ونرى ان الملتقى قد أتاح مساحات للكثير من اللغات العالمية، حيث يستعرض الفنان الياباني ريو شيميزو عرضا دراميا للحروف اليابانية، باستخدم الملصقات في إنتاج ذلك الكم الهائل من الحروف والكلمات المتناثره على أرضية قاعة العرض بالإضافة الى تلك الملصقات على جدران القاعة. فعمله بمثابة دعوة للمشاهد للتفاعل مع هذا العمل، بما يحمله العمل الفني من اجواء درامية مفعمه بالأبهام ، الغموض، و شيئا من العشوائية، على الرغم من ان الحروف والكلمات اتخدت اشكالا و أسلوبا منظما أو متناسقا. فمن خلال هذا العمل التركيبي للنصوص الملصقة، يستكشف ريو شيميزو القوة التي تدفعنا دون ادراك إلى تقسيم البيئة المحيطة بنا إلى تقاسيم متعددة، فكما يتضح من خلال التناقض بين اللون الأبيض و الأسود، مدى اهتمام ريو بالعلاقة الغامضة بين الاشياء و نقيضاتها. فلم يكتف ريو بالنصوص والحروف، بل ايضا اشتمل العمل على عرضا تصويريا بواسطة الفيديو، يعرض العديد من الظواهر كالضوء الطبيعي، الرياح، درجة الحرارة والصوت، والتي سخرت لخدمة رؤيا الفنان في استكشاف تلك القوة التي تدفعنا بلا وعي الى تقسيم و تغيير البيئة المحيطة بنا.
أما الفنان والمصمم كاميلو روهاس من الولايات المتحدة الامريكية، قدم اعمالا تركيبية باستخدام وسائط متعددة، من خيوط، مسامير، دبابيس و خشب، اتسمت اعمال كاميلو بالمفاهيمية المرحة، فهو يضع النقطه في تجربة جمالية تبحث عن كينونتها، فالتداخل بين الخيوط والتشابك عبر خطوطها، يطرح تساؤلات عديدة حول ماهية البعد الرابع، في محاولة لخلق علاقة بين المنطق الجمالي للخط العربي بما يحويه من عناصر متعددة، ودلالات لغوية، وخلق أبعاد جديدة. يقول كاميلو عن اعماله: "تعبر أعمالي الفنية عن نظرة نقدية للقضايا الاجتماعية و الثقافية. حيث أجمع في كثير من الاحيان بين هذه المواضيع في التركيبات الفنية التي تتميز بإعادة تشكيل للمواد اليومية بتقنيات يدوية وشكل غريب، و الطباعة هي نقطة الانطلاق في أعمالي، وغالبا ما أميل فيها الى التجريب بوصفها شكلا فنيا". فمشاركته تضع النقطة في إطار التجربة الجمالية للكائن التركيبي، وعمله الفراغي المتداخل و المتشابك عبر الخيوط يستفز المتلقي في البحث عن ما ماهية البعد الرابع.
في حين ان الفنانة الصينية هان زانغ المقيمة في كندا، قدمت عملا تركيبيا مكون من 400 صحن، مصنوعة من السيراميك لتقديم الارز، مُلأت بحبر الخط الاسود، تراصت بجانب بعضها البعض لتكون شكل مربع. تطرح هان من خلال هذا العمل تساؤلات حول القضايا الإشكالية في الترجمة الادبية والشعرية، من اللغة الصينية الى لغات أخرى، وما يتبع عمليات الترجمة الأدبية من فقدان للمعنى، وعدم توافق في الفهم. حيث استخدمت هان العديد من المواد في انتاج أعمالها مثل: الخشب، والخيوط والورق، والحبر والمرايا والمواد الهشة، وصحون الأرز.. وغيرها. فعلى الرغم من بساطة العرض وعدم التكلف (المينمال)، في ما نراه من تباين بين اللون الابيض للصحون والحبر الاسود، الا ان عملها يذكرنا بالعلاقة المتشابكة بين فن الخط وقوام الحياة اليومية و ما نعيشه اليوم من حضارة.
ختاما، تؤكد تلك الأعمال أهمية النقطة، كعنصر في التوازن البصري لمنظومة الخط بجميع لغاته، فمن هذا الملتقى، أكدت إمارة الشارقة على أهمية الفن كلغة للشعوب، فكان الملتقى بمثابة تلك الموسيقى الخفية الناتجة عن إيقاعات الحروف بنسبها وألوانها وتبادلاتها، في تكوينات وصيغ إبداعية جديدة.